舞台芸術学科 学外公演『夏町』開催 舞台芸術学科 学外公演『夏町』開催

約100人の俳優を使うのは普段なかなかできないこと。それが実現できるワクワク感はありました。かといって、「100人いるから」と集団のシーンばかりだと物語が壊れてしまう。少人数でストレートプレイをしっかり見せるシーン、大勢で引っかきまわすようなシーン、大勢でストレートプレイをがっちりとやるシーン。それらを成立させるためには、俳優たちもまず回数をたくさんやるしかない。本番の幕が開いて到達できたところもありましたが、精度はまだ足りないと思ったのが正直な気持ちです。個々は一生懸命、よくがんばってくれました。しかし、自分がやっていることが全体を構成していくという意識をもう少し強く持ってほしいです。舞台は、自分の芝居を発表する場ではありません。シーン全体のことを感じ、「その中で自分はこうあろう」という気持ちを忘れないでほしい。『夏町』のポイントの一つでもあった舞踊のシーンもそう。「踊ってくださいね」ではなく、物語を引き継いだ上で、次の場面の状況へ引き渡してもらわなければいけない。お芝居の一部として、どのようにダンスをするのか。自由に踊って発散するだけではなく、イメージをしっかりもって芝居をしてもらうよう、舞踊コースの学生には考えてもらいました。ただ、みんなには今回、相当難しいことにチャレンジしてもらいましたし、稽古も含めて学生の成長が見られました。『夏町』を通して学生に伝えたいことは、芝居を作るのは大変だけど、壊すのは一瞬だということ。少しでも気を抜いたり、緊張感を欠いたりすると、一瞬で壊れてしまう。特に芝居はそれだけデリケートなもの。作品に対して厳しい姿勢で取り組まなければなりませんし、実力も養っていかなければならない。そのために、基礎を身につけることを日頃から怠らず、芝居に取り組んでもらいたいです。

『夏町』は、書き下ろしの作品の初演だったのです。それはつまり、まだなにも決まっていないところから物事を生み出していかなくてはならないということ。舞台美術は、作家が書いた脚本をもらってすぐに、どのパートより早く創作作業に取り掛からなければなりません。私たちが空間を創って、役者の立ち稽古が始まり、照明プランが生まれます。実際に今回、舞台美術コースの学生は、内藤先生が一旦書いた台本冒頭をもとにイメージを膨らませ、3月春休み中にラフスケッチという舞台セットのデザイン画（第１プラン）を描く作業に取り掛かりました。また舞台美術は「調べる芸術」とも言われています。安易に誤魔化すとパッと見てバレます。ですので、台本を読んだ上でちゃんと解釈を深め、わからないことは全て調べるという作業が必要です。その上で学生たちには「瓦礫などが漂流してきた海岸」「町のジオラマ」「野戦病院」「海の家」のデザインを提出してもらいましたが、ほぼ全員が全課題を提出してくれました。力作ばかりでした。学生全員が『夏町』に相当深く向き合っている印象を受けました。しかし、膨大な量のラフスケッチも採用されるのはそれぞれ一つだけ。それでも、落選して心が折れている場合ではないことはみんな心得ています。なぜなら1回生のときから常に授業において自分の作品に関するプレゼンをやり続け、なにが足りないのか、コンペに選ばれる人はどこが優れているのかなど、たくさんのことを学び吸収しているからです。そうやって切磋琢磨しながら力をつけていっています。そんな中『夏町』では、別のコースの学生と連携するなど普段より多くの人との作業を経験しました。みんな、お互いにリスペクトを持ちながら仕事をしていました。そうやってコミュニケーションの取り方を経験できるのも学外公演ならでは。その点で非常に貴重な時間を送れたのではないでしょうか。

『夏町』は、自分と重なる部分がたくさんあった物語でした。20代は、自分への期待が大きく、夢はいくらでも見ることができる。しかしこの物語には、うまくいかなかった人たちが登場します。「こうなりたい」と思っていても、叶わなかったという現実が感じられます。稽古中も内藤先生から「思い通りにならないことは多いんだ」とおっしゃっていました。私たちは今、20歳前後。「十代が終わってしまった」という感覚があり、これから20代をどのように生きていくのか考えていたところなので、心に刺さるものがありました。そんな『夏町』の本番で意識していたのは、その状況をどういう風に遊ぶかということ。内藤先生からも稽古中、「その芝居は自分があらかじめ考えてきたことを披露しているだけであって、状況で遊んでいない」とよくお話されていました。ですので毎公演、その場で実感したことを素直に出していました。台本上の動きや台詞はきっちり守りつつ、すべての公演で全然違う反応をしていたと思います。私はそうやって演技をしている時間が一番好き。30代、40代になっても演技をやっている自分を見てみたい。今後、なにがあっても俳優は続けていきたいです。

舞踊コースでは普段、自分たちの公演ではバレエを踊っているので、お芝居は新鮮な気持ちがありました。私は看護師役で台詞も少しいただきましたが、最初はしっかり声が出せませんでした。そんなとき、内藤先生が「前学科長の浜畑賢吉先生は、ダンサーは体幹がしっかりしているから、いい声が出せるものだと言っていたんだよ。僕もそう思うから、みんななら絶対にできる」とおっしゃってくださったんです。それまで、台詞を任された重圧に押しつぶされそうになっていましたが、内藤先生の言葉を聞いて「やり切ろう」と前向きになれました。また、バレエのシーンでは文学的に踊ることを意識しました。「悲しさは、美しさから出るときもある」とアドバイスをいただき、看護師役として、やるせない気持ちを抱いたり、ケガをした人たちを助けるために自分はなにができるのかを考えたりしながら踊りました。一方で、お芝居の中でバレエが浮いて見えないようにすることも意識し、表現しました。今回の経験も生かし、バレエに携わるお仕事をめざしたいです。バレエを教える先生になる方も多いですし、そういう進路に興味があります。これからも踊り続けたいと思っています。

私は『夏町』で主に、芝居や状況に合わせて音楽を出すオペレーターを担当しました。どのような場面で、どんな風に音楽を出すのか、ベースは事前にできています。「この場面では音量を上げる」「こういう風に音を出したら、この場面はもっと生きる」とプランを立てています。でも本番では役者の演技で、事前に考えていたことも変化します。公演ごとに役者の空気感や間合いが微妙に異なりますから、音出しもどれくらい間をためるか、もしくは早めるか変わってきます。そのため、役者と一緒に演技をする心意気で毎回やっています。「一緒に演技をする」というのは裏方としてすごく難しいこと。でも、それがおもしろさでもあります。そのためには台本を読み込み、演出家の意図や役者への指導内容にも目を向けながら、作品のメッセージを解釈する作業をしっかりやります。それをやらないと一緒に演技ができません。また、舞台で流れる音楽もどういう受け取り方ができるか考えなければいけません。普段から作品の解釈をした上でのイメージトレーニングは欠かせません。そういう音響の仕事が楽しくてたまりませんし、将来はその道へ進みたい。特に舞台などのナマモノが好き。その瞬間でしか感じられない空気を、音響スタッフとして表現し続けたいです。