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学びの柱となるのは、「創作」「研究」「音楽工学理論」の3つ。音楽・音響について日本屈指の環境で学ぶ
実際の音楽・音響・サウンドアートの現場で使用されているプログラミング・ソフトを利用して、音楽・音響デザインのさまざまな手法を習得。音楽制作やメディアアートの作品制作に役立てる。
スタジオ録音に必要な各種音響機器や設備に関する基礎知識を学び、さまざまな演奏をマルチトラックで録音。ミックスダウンするまでを体験することで、CD音源を制作する録音テクニックを身につける。
スタジオの音響システムについて学び、さまざまな型式のマイクロフォンを使用して音色の違いや特徴を体験し、音色を聴きわける力を伸ばす。それぞれの音源に適した収音システムを構築し、レコーディングを行う。
録音や音響機器の知識を習得するために、ホールでのレコーディングやSR（コンサート音響・舞台音響）を想定したプランニングと、その実践を行う。クラシックからポップスまで幅広くカバー。
プロフェッショナルとして生きることは、音楽への責任はもちろん、経済的責任、社会的責任も大きく伴ってくるということです。大学生活中は音楽そのものに没頭できる人生最後のリハーサル期間。大いに楽しんで、たくさんの失敗をしてください。その経験が、今後最前線で戦っていける知恵と勇気を必ず与えてくれるはずです。
大学で学ぶ価値は、自分の好きなこと、得意なことを伸ばすことより、才能があることを否定してみるチャンスが得られることかもしれません。大阪芸大でなら、多様な能力と価値観を持つ先生、そして学友との遭遇により、いくら否定しても湧き出る情熱が何かを再確認できる機会も多くあるのではないかと私は考えています。
音楽・音響デザインコースでは作曲も学ぶことができます。大切なのは、頭のなかに浮かぶ音のイメージを音符で正しく表現できるようになること。そのための技術を習得し、楽器の特性や音色を学ぶことで、作曲のみならず、音響クリエイターになるための基礎力も養うことができます。
音に対して開かれた耳、そして心を大切にしていただきたいです。音はつねに流れていくもので、ひとつの音はそのときにしか存在しない「儚い命」のようなものだから、一つひとつの音を大事に扱っていただきたい。自分の好きな音・音楽をとことん追求し、「楽しい」「おもしろい」という気持ちを持ち続けてください。
「技術」というものは与えられるものではなく、自らの手でつかみとるものです。また、一度手にした「技術」は磨き続けなければすぐにくすんでしまいます。まずは4年間かけて自らが望む「技術」の片鱗をつかみ、一生涯磨き続ける方法論を現在進行形で伝授します。手に入れた「技術」は、目まぐるしく変化する現代社会の中で普遍的な価値となって輝き続けることでしょう。
私はレコーディングエンジニアとして、楽器から日常の音（鳥の声など）まで、その映像が見えるような録音をしたり、聞き手にいちばん伝わるような演出を考えたりすることを心がけています。エンジニアリングに限った話ではありませんが、多様性の理解が重要なのではないかと思っています。
近い将来において、ポップミュージックは人工知能がヒットチャートを占めていくでしょう。そのような現在、一方で、美術館や公共空間、プロダクトから都市計画まで、社会を「目に見えない音」から思考し創造することが世界中で求められはじめています。これからの音楽家はスタジオワークにとどまらず、新しい視座で動くことが大切なのです。
あなたが奏でる音楽はあなた自身、誰にも代え難い唯一無二の音楽です。才能や表現力には決して限界はなく、学生生活のなかで多くの経験や学びを体感することで、才能や表現力が覚醒し、研ぎ澄まされ、自分が奏でる音楽に魂を宿らせるはずです。音楽は喜びや感動を生むすばらしい芸術形態。 あなたの音楽が人々の心に触れ、多くの感動を呼ぶことを願っています。
フォーリーアーティストは、主に足音・衣擦れ音・人が触れる物の音を、身体や物を使い声優のアフレコのように映像を見ながら“音の芝居”を吹き込む仕事です。音響の仕事は“エンジニア（技術者）”と思いがちですが、音響に限らずどのセクションも芝居を理解し演じる感覚で制作を行うことで作品の質が大幅に良くなります。“アクター（役者）”や“ディレクター（演出家）”のような感覚で作品作りを行う楽しさをフォーリーを通して学んでいきましょう。
